Générateur de voix de dessin animé

Le contraste, c'est tout le métier

Les studios d'animation distribuent un ensemble comme un compositeur écrit pour des instruments : ils veulent que les parties restent séparables. Cela s'entend dans n'importe quelle série au long cours, française comme étrangère : les personnages occupent des bandes de hauteur différentes, des vitesses d'élocution différentes, des quantités d'air différentes. Rien là-dedans n'exige des voix chères. Cela exige un écart voulu.

Quand une bande-son de dessin animé faite à la maison paraît confuse, la cause est presque toujours la même : tous les personnages ont été distribués dans la même bande étroite de voix agréables et neutres. Le remède est d'abord inconfortable : prenez une voix trop aiguë, une voix trop grave, et une qui parle trop vite. Écoutées à la suite, elles paraîtront exagérées. Écoutées dans une scène, elles deviendront des personnages.

Écrire des répliques qu'une voix de synthèse peut jouer

Trois habitudes changent tout. D'abord, une intention par réplique : une phrase qui passe du ravissement à l'horreur sera rendue comme la moyenne des deux. Coupez-la. Ensuite, la ponctuation est de la direction d'acteurs : un point crée une vraie pause, des points de suspension en créent une plus longue, un point d'interrogation relève la fin de la phrase. Enfin, écrivez les interjections en toutes lettres. « Pff. » seul sur sa ligne devient une interprétation ; « (soupire) » ne devient rien, parce que le moteur dit le texte, pas les didascalies.

La quatrième habitude est moins évidente. Les scripts d'animation sont pleins de noms propres, de mots inventés et d'onomatopées, et c'est exactement ce qu'un moteur de synthèse devine mal. Vérifiez les mots inventés en premier ; il n'y a pas de réglage de prononciation, donc réécrivez ceux qui sortent mal — autre graphie, trait d'union — et gardez cette graphie partout.

Le français ajoute un piège de plus : la liaison. « Les héros » et « les zéros » ne doivent pas sonner pareil, et les noms inventés avec un h initial sont précisément ceux sur lesquels un moteur hésite. Auditionnez vos noms de créatures avant d'écrire trente pages avec.

De la scène au dessin animé fini

Les gens qui travaillent seuls construisent presque toujours l'audio avant l'image, parce qu'animer sur une bande-son verrouillée est infiniment plus simple que l'inverse. Ce flux de travail convient bien à cet outil : réglez l'interprétation, exportez les pistes séparées, puis animez les bouches sur un audio qui ne bougera plus.

Si vous procédez dans l'autre sens et que l'image existe déjà, servez-vous de l'export de sous-titres (Plus et Pro) pour placer les répliques sur la timeline, puis ajustez le tempo réplique par réplique pour remplir les trous. C'est minutieux, mais c'est plus rapide que de refaire enregistrer un comédien.

Ce que cela ne fera pas

Cela n'imitera pas un comédien de doublage précis, et nous ne construirons pas de clone de sa voix. C'est à la fois une règle et une limite pratique : les voix qui ressemblent à un personnage célèbre sont le chemin le plus court vers un retrait, et les ayants droit surveillent activement.

Cela n'inventera pas non plus un timing comique que vous n'avez pas écrit. Le moteur joue la réplique que vous lui donnez, au tempo que vous demandez. Si la vanne ne tient pas sur la page, l'entendre à voix haute vous le dira très clairement — ce qui est sans doute le service le plus utile qu'un outil pareil puisse rendre.